Art e Dossier

Negli anni in cui Ingres viveva in una cella del convento sconsacrato delle Cappuccine a Parigi, in compagnia dello scultore toscano Lorenzo Bartolini, dipinse questo autoritratto che doveva fare da pendant al ritratto dell'amico, eseguito due anni dopo. Ciò rende l'idea della profonda amicizia che legava i due artisti, che avevano in comune la predilezione per il suono del violino e per le illustrazioni omeriche di Flaxman. Oggi il quadro non conserva più l'impaginazione originaria in quanto Ingres è intervenuto con diverse modifiche nel corso del tempo, che ne hanno dato un aspetto più rappresentativo, mentre la qualità pittorica appare sempre altissima.

Napoleone, che detestava le lunghe sedute di posa, concesse per l'occasione a Ingres un solo brevissimo incontro. Per questa ragione l'opera appare alquanto bloccata nell'espressione della fisionomia del primo console e punta piuttosto sugli effetti cromatici e sulla ricostruzione dell'ambiente. Il dipinto fu commissionato da Napoleone per la città di Liegi, in ricordo dell'atto con cui aveva destinato alla città una forte somma di denaro per ricostruire il sobborgo di Amercoeur, raso al suolo dagli austriaci nel 1794. Dalla finestra si intravede la cattedrale di Saint Lambert, anch'essa distrutta. Nel quadro emerge quella straordinaria capacità di rendere la qualità tattile dei diversi tessuti, il velluto rosso della marsina e i velluti scuri degli arredi, che sarà propria di Ingres.

Del gruppo di ritratti dei componenti della famiglia Rivière, quello di Monsieur Rivière appare il più vicino alla lezione del maestro David; l'atteggiamento naturale, atto a qualificare il ruolo sociale e le virtù intellettuali dell'effigiato, riconduce a opere quali il Ritratto dei coniugi Lavoisier e il ritratto di Monsieur Sériziat di David. Tuttavia il contrasto cromatico e la particolare lumeggiatura è propria di Ingres e all'epoca apparve come una novità, che destò non poche critiche fra i contemporanei. Fra le carte del protagonista si percepisce una piccola incisione della Madonna della seggiola di Raffaello, artista studiato a lungo da Ingres, che lo elesse quale punto di riferimento privilegiato.

Si tratta di Caroline Rivière, la giovane figlia dei coniugi Rivière, morta a soli tredici anni d'età, poco dopo essere stata ritratta da Ingres. La bellezza e la purezza virginali vengono esaltate dal bianco dell'abito e del boa di pelliccia, un bianco che Ingres amava particolarmente, ma che il pubblico contemporaneo non comprese, perché diffondeva nel dipinto una luce troppo fredda e troppo smagliante. Per questa ragione anche il ritratto della madre, Madame Rivière, risultò troppo bianco e non vennero colte le innovazioni formali, quali il punto di vista ravvicinato e il notevole impasto di colori e tessuti diversi.

Commissionato per la sede del Corpo legislativo, questo ritratto presenta la medesima espressione bloccata e astratta del Napoleone primo console. Ingres si era dovuto accontentare delle nozioni ricevute durante quell'unica seduta di posa. E fu per questa mancanza di somiglianza con il modello reale che l'opera venne duramente criticata, al punto che il direttore del Louvre, Vivant Denon, la fece ritirare dal Salon. In realtà Ingres aveva dedicato molto tempo all'elaborazione del quadro, traducendo la fisionomia in ieraticità divina, come se si trattasse appunto di un'immagine mitologica, in cui Napoleone è assimilato alla figura di un Giove onnipotente. Il pittore aveva studiato con attenzione le icone medioevali dei re di Francia, dei quali aveva riportato gli attributi storici dello scettro e della "mano di giustizia" e le soluzioni dei maestri fiamminghi come Holbein e Van Eyck.

Ingres aveva vinto il Prix de Rome già nel 1801, ma solo nel 1806 si rese disponibile la borsa di studio come pensionato all'Accademia di Francia a Roma. Fra le opere che inviò a Parigi, durante questo primo soggiorno romano, durato quattro anni, vi erano la Bagnante di Bayonne (1807) e la Bagnante di Valpinçon, con le quali Ingres ha inaugurato un nuovo genere di nudo femminile. Al di là del fatto che si tratti o meno della stessa modella, Thérèse o Mariuccia, è significativo che tutte queste immagini di donne riconducano all'icona della Fornarina di Raffaello, che evidentemente per Ingres rappresentava l'archetipo della bellezza femminile, una bellezza senza tempo, che egli poteva trasporre dal quadro di ambientazione storica al bagno privato.

Ultimo invio del pensionato all'Accademia di Francia, in Villa Medici, il Giove e Teti presenta la stessa frontale ieraticità del Napoleone in trono. Come allora il quadro non fu compreso e fu oggetto di violente stroncature, per esempio per la lunghezza esagerata del collo di Teti, attribuita addirittura a una disfunzione tiroidea. Il dipinto invece condensa in maniera sapiente, e con impareggiabile senso del colore e della linea, diversi riferimenti culturali; da alcune statue di Giove, conservate in Vaticano, alla Teti incisa da Flaxman per illustrare l'Iliade. Sulla base inoltre è raffigurato una bassorilievo tratto da un cammeo ellenistico del museo di Napoli, di cui Ingres aveva un calco.

Tratto dall'Orlando furioso dell'Ariosto, il dipinto fu presentato al Salon del 1819 e acquistato dal re Luigi XVIII per la sala del Trono nel castello di Versailles. Anche in questo caso non mancarono le critiche, dello stesso tenore di quelle riservate al Giove e Teti, per il richiamo ai primitivi, per la bizzarria dei colori, un candore anomalo ed eccessivo e un violaceo dissonante. Tuttavia questa alterazione cromatica, che esaltava le tenebre, colpì il giovane Delacroix, che ne trasse più di uno spunto per la sua Barca di Dante, con cui avrebbe conquistato due anni dopo il suscettibile pubblico parigino.

Tornato a Roma, a Villa Medici, in qualità di direttore dell'Accademia di Francia, Ingres ritorna per la seconda volta sul tema dell'Odalisca. La prima incursione nel mondo esotico dell'harem era avvenuta nel 1814, quando dipinse la Grande odalisca, esposta al Salon del 1819. Ora la composizione si arricchisce di particolari che connotano maggiormente l'ambiente, includendo l'opera del filone dell'orientalismo, in quegli anni di gran moda. Se l'uso del rosso e degli ocra è affine alle soluzioni di Delacroix, la linea perfetta e inconfondibile del nudo, il suo candore madreperlaceo, i rinvii alla tradizione antica di un Tiziano o di un Veronese, sono propri del talento, ormai maturo, di Ingres.

Di Madame Ines de Faucauld, sposata Moitessier, esiste un altro ritratto in piedi, vestita di nero, su un fondo di una parete in broccato color prugna, di grande effetto. Questo secondo ritratto è stato cominciato subito dopo e in seguito a vari ripensamenti sulla posa e sul colore dell'abito è pervenuto alla composizione definitiva, estremamente accurata. La perfezione dei contorni viene esaltata dalla varietà degli accordi cromatici; l'incarnato del volto si accompagna all'ovale, sempre memore del riferimento a Raffaello, così come la fresca fantasia del vestito dona un senso di allegria all'ambiente, mentre lo specchio alle spalle permette di esaltare il profilo à la grec, di gran moda all'epoca. Mezzo secolo dopo Picasso s'ispirò a questo dipinto per alcune delle sue figure monumentali.

Concepita intorno al 1820 a Firenze, l'opera fu dipinta lentamente nel corso degli anni, per essere conclusa solo alla metà del secolo. Variante della Venere Anadiomene, anch'essa realizzata in un lungo arco di tempo (1808-1848), La sorgente rappresenta una divinità delle acque, residente nelle fonti e nei fiumi, una naiade dal corpo armonico e puro, memore dell'iconografia classica delle virtù e delle personificazioni delle divinità dell'Olimpo. Proprio questo senso di castità ispirò al poeta Théodore de Banville i versi de La naiade argentina, pubblicati nel 1861. Esposta nello studio, la tela ricevette il consenso unanime dei visitatori che apprezzarono la bellezza del colore e la purezza della forma.

Quest'opera costituisce una sorta di summa delle numerose immagini femminili, realizzate nell'arco di quasi sessant'anni. Dalla Bagnante di Valpincon, in primo piano mentre suona la chitarra, alla figura di destra con le braccia dietro la nuca, che riprende uno studio della prima moglie Madelaine Chapelle (1815), fino a una citazione dell'Angelica legata allo scoglio, per concludere con un altro nudo ispirato, nel volto sostenuto da una mano, alla seconda moglie Delphine Ramel. Come un testamento artistico, le donne, muse ispiratrici, si offrono in una rassegna completa che conferma come, al di là delle diverse modelle, l'ideale di bellezza di Ingres fosse uno e costante nel tempo, il modello raffaellesco della Fornarina.