Art e Dossier

Sono diversi i riferimenti artistici cui Moreau guarda durante la sua prima fase professionale: il pittore Théodore Chasseriau, morto prematuramente nel 1856, dal quale riprende il disegno nitido delle figure e Géricault e Delacroix, dai quali desume il senso del movimento e del colore. Proprio quest'opera rivela l'osservazione da parte del giovane Moreau dei due pittori nel soggetto del cavaliere al galoppo, vicino a Géricault, così come gli squarci cromatici e la pennellata veloce rimandano a Delacroix.

Esposto al Salon del 1853, il dipinto era stato commissionato l'anno prima dal Ministero dell'Interno, per poi essere inviato al museo di Digione. La scena s'ispira all'episodio biblico della Sulamita che non vedendo tornare l'amato esce dalla città durante la notte alla sua ricerca, ma viene insidiata e violata dalle guardie. Moreau aveva realizzato diversi studi preparatori; un acquerello e dei bozzetti in cui apparivano le mura della città. La composizione si è via via semplificata fino a questa versione finale, in cui tutto si concentra sull'azione violenta delle figure, mentre lo sfondo è giocato su un colore cupo, una luce irreale e allucinante che incrementa il senso drammatico della scena.

Il destino di quest'opera corre parallelo alla grande tela dei Pretendenti. Iniziati intorno al 1853, prima del viaggio in Italia che determinerà nuove suggestioni artistiche, questi due grandi dipinti sono stati eseguiti in un arco di tempo lunghissimo, abbandonati e ripresi più volte, fino agli anni Ottanta in cui questa tela è stata ultimata, mentre i Pretendenti è rimasta incompiuta. Con queste due composizioni molto elaborate, Moreau realizza le prime scene di gusto neogreco, in cui i personaggi appaiono bloccati entro una sovrabbondante struttura scenica, ricca di citazioni letterarie e di richiami esotici. Se da un lato il riferimento è da cercarsi nel Couture che ha dipinto i Romani della decadenza, dall'altro vi è un senso drammatico del colore e una stratificazione di elementi formali che rimanda a Delacroix.

Preceduta da un acquerello del 1860, la tela con l'Edipo e la Sfinge fu esposta al Salon del 1864, segnando il successo dell'artista che ottenne una medaglia, l'attenzione del pubblico e della critica e l'acquisto dell'opera da parte del principe Napoleone. Il mito di Edipo è un soggetto che ricorre nella produzione di Moreau, affascinato dalla sua umanità di fronte all'enigma, alla scelta fra la vita e la morte. In questo quadro, il più noto fra quelli sull'argomento, l'eroe osserva con forza la Sfinge che appare sconcertata e timorosa, prossima alla sconfitta. Particolari macabri affiorano nella parte bassa e rivelano la tirannia cui era sottoposta la città di Tebe prima dell'arrivo di Edipo.

Con l'Orfeo Moreau ottenne un nuovo grande risultato, quello di entrare a far parte della collezione del Musée du Luxembourg, il museo d'arte contemporanea, cui aspiravano tutti gli artisti, in quanto rappresentava la consacrazione ufficiale e definitiva. Il quadro era stato acquistato dallo Stato al Salon del 1866, dove aveva colpito il pubblico per l'atmosfera dolce e inquietante a un tempo. Il pittore infatti ha deciso di narrare il momento in cui la testa di Orfeo viene trovata e deposta sulla lira da un fanciulla tracia. Con amore la donna osserva la testa del cantore che diventerà il simbolo della rigenerazione della poesia, immagine amata ed evocata da un'intera generazione di artisti e letterati, fra cui Proust.

Moreau già nella sua epoca venne definito come il "pittore delle Salomè" per l'insistenza con cui si rivolse al tema biblico. In un'architettura orientale, solenne, ricca di particolari decorativi è ambientata la danza magica con cui la giovane Salomè ammalia Erode chiedendogli la testa di Giovanni Battista. Lo scintillio delle vesti, la vaporosità dell'atmosfera esotica, la profusioni di elementi rituali e l'imperiosità dei gesti donano all'immagine un grande potere di suggestione, che incarna al meglio il clima decadente dei circoli intellettuali simbolisti della fine dell'Ottocento, trovando infine nelle opere di scrittori come Oscar Wilde e Joris-Karl Huysmans il corrispondente letterario.

A differenza della grande composizione di Los Angeles, questa versione si concentra sul potere seduttivo della figura di Salomè che, mediante il movimento sinuoso del corpo decorato di raffinati e simbolici tatuaggi, invoca la testa del Battista. Gli altri personaggi, così come l'ambientazione esotica del palazzo di Erode, sono relegati in un piano inferiore, diventando lo sfondo oscuro e misterioso nel quale si attua la terribile richiesta.

Il conflitto franco-prussiano del 1870-1871 e la conseguente sconfitta della Francia, a causa della politica dell'imperatore Napoleone III, determinano una generale frustrazione, che in Moreau si traduce in un profondo senso della decadenza e della fine di un mondo. Le diverse interpretazioni di Salomè e di altri temi biblici, quali Giacobbe e l'angelo, David e questo Mosè, sono il risultato di questo sentimento. Come annoterà lo stesso artista in una Riflessione personale, questo quadro con Mosè bambino, esposto all'Esposizione universale del 1878, rappresentava la speranza di una nuova legge, giusta e sostenuta da Dio. Moreau rimase molto affezionato a questo quadro dalle architetture fantastiche, in cui si nascondono le immagini delle sfingi, che tenne con sé fino al 1893, quando cominciò delle nuove versioni sull'argomento.

In questi anni Moreau ha sempre di più sperimentato la tecnica dell'acquerello, giungendo a punte di alto virtuosismo che lo portano verso una progressiva autonomia del colore rispetto al disegno. In quest'opera dei Liocorni si nota una certa libertà nell'uso di ampie zone di colore indipendenti dal fine linearismo dei particolari decorativi e dei profili delle figure, che rievocano iconografie gotiche. L'atmosfera d'incanto è suggerita dai contorni non rifiniti che donano all'immagine un'aura di visionarietà.

La morte nel marzo del 1890 di Alexandrine Dureux, la più cara amica di Moreau, genera nell'artista una serie di riflessioni sul tema della morte e della separazione, fra cui questo dipinto a lei dedicato. La libertà formale della sua pittura è compiuta; il colore intenso è steso in modo convulso, così come convulsi erano i sentimenti provati in seguito alla scomparsa di Alexandrine dall'artista-Orfeo, concentrato sul proprio dolore. In ricordo dell'amica, Moreau riunì nella sua casa mobili, oggetti e quadri che le erano appartenuti.

In questa versione la Salomè è resa da un disegno fine e da brevi inserti di colore che denotano la veste leggera e preziosa, così come leggero è il passo di danza sulle punte dei piedi. Prevale la vivace cromia dell'ambiente esotico, delle decorazioni musive, delle colonne, dei capitelli e della bifora di fondo, sul bianco della figura che sembra un'apparizione meravigliosa e lucente, scaturita dal sogno.

Tratta dalle Metamorfosi di Ovidio, l'opera è una delle più complesse che Moreau ha concepito. La vicenda rappresenta la storia di Giove e l'umana Semele, genitori di Dioniso, quando la donna chiede al dio di mostrarsi nella sua gloria, senza sapere che ciò causerà la sua morte, perché incenerita dai lampi divini. Le figure sono disposte secondo una piramide gerarchica; Giove in trono, cinto dai lampi della gloria, Semele sulle gambe dell'amato in adorazione e nel contempo ferita a morte, come si vede dal fianco insanguinato, le immagini della Morte e del Dolore, nel registro inferiore e così via personificazioni di figure dolenti e notturne, in un insieme visionario e scintillante.